Name: 如何看懂雕塑【非賣品】
SKU: B20028
Price: 9999 TWD
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很多人教你看畫，卻很少人教你看雕塑！
看畫，要到美術館，但雕塑，隨處可見。

第一本雕塑完全欣賞指南，從古典到現代，超過200個經典圖例！
用最簡易的圖文解析，帶你一窺雕塑的立體視界。
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雕塑怎麼看？

◎同樣是《大衛像》，為什麼米開朗基羅的大衛高大無比？多納泰羅的大衛卻小於真人比例？雕塑的尺度大小有什麼重要？
◎羅浮宮裡的《勝利女神》，展開雙翼大步邁前，充滿力量與戲劇性，把它擺到戶外，是否同樣令人震撼？空間環境對雕塑的影響力？
◎為什麼古希臘著名的《里亞切青銅戰士像》，完美無瑕的健美體格，成為各個時代男性的美好典範？而當代雕塑家奎恩卻雕出懷孕且缺乏雙臂的女子形象，雕塑背後的意義是什麼？
◎甚至，雕塑還具有紀念的意義，海德公園角的《皇家砲兵紀念碑》，緬懷追悼陣亡的戰士即為一例。

學會用不同的觀看方式及思考，你我都能輕鬆欣賞雕塑的奧妙！
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生活中處處是雕塑，一棟建築物、一尊人物像、一件大型裝置甚至是一個玻璃杯、一把椅子、抑或汽車的引擎，這些都可以是雕塑。它融入我們的周遭，成為生活的一部分，雕塑離我們這麼近，我們卻常常忽略它，它既熟悉又陌生，然而要看懂它卻又是一門大學問。

熟稔藝術史與長年推動大眾藝術教育的作者瑪莉．艾克頓，透過簡潔易懂的文字、搭配豐富的案例圖示，用圖片說雕塑的方式，帶領我們分析並充分體驗從古到今不同類別的雕塑藝術；從古典傳統的源頭和雕塑類型的發展，到各種不同類別的雕塑探討；乃至雕塑在空間的擺放，它與建築、繪畫、工業設計的關係，以及現代雕塑的進展與變化，一步步帶領讀者進入雕塑的世界，領略與感受雕塑之美。同時，作者更引入雕塑背後的故事及意涵，讓讀者在咀嚼精彩故事時也彷彿遊歷了整個雕塑史現場，進行一趟雕塑史之旅。

書末所列的雕塑術語彙編、延伸閱讀文獻，以及欣賞雕塑時該有的問題思考，則讓如何看懂雕塑變得更加簡單入手。
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觀看雕塑時的10個思考問題
1. 雕塑擺放位置與你所在位置的相對關係為何？
2. 你能否繞著雕塑行走，觀看它的不同面向？
3. 雕塑的形式與周邊空間的關係為何？
4. 雕塑的尺寸為何？它是真人尺寸，還是小於或大於真人尺寸？
5. 雕塑的類別為何？它是浮雕、半身像，還是人物立雕？
6. 雕塑的媒材為何？是青銅、大理石、木材、金屬，還是其他媒材？
7. 雕塑表面有何特徵？它是否光滑、完成度高和／或經過拋光？
8. 雕塑位於室外還是室內？這會改變你觀看它的方式嗎？
9. 光線如何照射在雕塑上？這會改變你觀看它的方式嗎？
10. 雕塑是否具有或曾經具有某種功能？它是已完成還是未完成？

導論

倘若我們純粹把欣賞雕塑這件事等同於感受立體物的各種特質，我們的生活周遭便盡是雕塑。舉例而言，我們不時會聽到人們談論花園及園林植栽配置當中的雕塑形式。雕塑並不會因為我們忽視這些特點而就此消失，它依然存在於各種公共空間，尤其是都市環境當中。我們在熙來攘往的街道上看見雕塑的機率，就如同在美術館中看見雕塑的機率一樣。雕塑也可能成為建築物的一部分，而它在建築設計上的連結，和其背景環境的任何部分均同等重要。然而，我必須盡早在此表明，本書宗旨並非全面性地探討幾乎無所不在的雕塑。

《如何看懂雕塑》（以下簡稱本書）與《如何看懂繪畫》（Learning to Look at Paintings）及《如何看懂現代藝術》（Learning to Look at Modern Art）所闡述的內容均圍繞著「觀看」（looking）這件事，而本書更進一步探討觀賞立體藝術的不同體驗。涵蓋範圍包括所有歷史階段，除了著重於古希臘羅馬時期到今日的西方雕塑作品外，也會配合討論對西方雕塑產生影響的民族誌（ethnographic）塑像與東方和遠東雕塑。20世紀初葉的藝術隱含各種非主流文化（alternative cultures）元素，便是西方雕塑受到影響的顯著案例之一，而《如何看懂現代藝術》亦曾概略闡述這個案例。這種內容上的部分重疊是本書刻意營造的特點，目的在使本書與《如何看懂繪畫》及《如何看懂現代藝術》成為可供讀者相互參照的套書。據此，本書將以不同案例，以及諸多關於立體視覺感受的觀點來探討如「裝置」（installation）等其他兩本書曾闡述的主題。藝術領域，尤其是地景藝術（land art）的發展和不同雕塑媒材的運用，自1960及1970年代以降歷經持續且深刻的變化，展現出截然不同於古典傳統的風貌。然而，如同某些堅持傳統的畫家一樣，有些雕塑家，例如葛姆雷（Antony Gormley）或穆克（Ron Mueck），依然採用傳統題材進行創作，並且保持對人類形體的偏好。

本書整體而言具有強烈的主題特色，但每一章的結構安排大致上將與其他兩本書相似，除了按年代時序編排之外，亦試圖連結過去與現代。因此，我們無法避免重複討論如建築與雕塑的相互影響等一再出現的主題。此外，羅丹（Auguste Rodin）、米開朗基羅（Michelangelo）或葛姆雷等藝術家也在不同章節裡多次提及。其他兩本書如此，本書亦然。因為雕塑家深感興趣的，總是那些能夠與他們藝術實踐的其他領域（例如石膏模型或素描［drawing］技法的運用）產生相互影響的各類雕塑。每一章的內容長度取決於討論對象的本質，以及與該章主題相關的案例及領域多寡，尤其是第二章有關人物立雕（free-standing figure）及其遺緒的內容。這部分亦提及外觀與質感的重要性，特別是雕塑給人的獨特觸感。在理想狀態下，「觸摸」可以且應該是雕塑的要素之一，但由於作品價值與安全的考量，我們很難在美術館中透過觸摸去體驗雕像的獨特觸感。儘管如此，我們或許有機會觸摸如瓷像或法貝熱彩蛋（Fabergé egg）等私人收藏品。有些人認為這類物件並不算是雕塑，但本書所探討的另一項有趣主題，恰好是這種雕塑與繪畫、雕塑與素描（drawing）或和建築及設計相關的雕塑之間的視覺和歷史分野。

本書最主要的目標在於闡述立體視覺感受；因此，我總是盡可能地納入對這些作品的不同賞析觀點。在此，我們該當參考羅丹這位晚近偉大雕塑家的說法與實踐。在「以繞行方式觀看」這個主題上，勃梅茲（Dujardin Beaumetz）記錄了其友羅丹在引用16世紀知名雕塑家切利尼（Benvenuto Cellini）的著作《雕塑論》時所說的話：

雕塑家在製作裸體或身披衣物的人物雕像時，會先以黏土或石蠟做出該雕像的正面，經過多次抬高、降低、前移、後推、旋轉和回復雕像四肢的位置之後，才會進行下一步。當雕塑家終於滿意雕像正面的初步樣態後，便開始處理雕像的其中一側。此時，經常發生的狀況是，雕塑家會覺得雕像的正面似乎不夠雅致，因而不得不回頭修改他已完成的部分，才能使雕像的樣態符合他的新觀點。如此一來，每當雕塑家改變其觀點時，便遭遇同樣的難題。雕塑家不會只有八種不同觀點，而是40多種。無論經過多麼細微的修改，雕塑家總是覺得有一寸肌肉過於突兀或過於保守。如此循環下去，變動不已。

（引自艾爾森［Albert E. Elsen］編，《羅丹生平暨作品解讀》，頁163）

此處強調的是不同視角如何深刻影響雕塑。近代轉盤（turntable）的發明使藝術家能夠轉動工作室中的模型來配合其新觀點。然而，無論藝術家如何轉動模型，親身繞行觀看仍為製作和感受雕塑的根本。這對觀者及藝術家皆然。近年來，觀者的視覺感受與他們穿越、走入和在外部觀看某件立體裝置作品的身體感受之間的對應關係逐漸受到重視。此外，所謂的特定場域（site specific）藝術作品亦逐漸成為顯學；就這類作品而言，其創作場域的背景框架與作品本身同等重要。塞拉（Richard Serra）在倫敦布羅德蓋特的雕塑作品即為特定場域藝術之一例（詳見本書第七章）。

我引述這段文字的另一項理由便是它的真確性（authenticity），因為它既是第一手資料，更源自藝術家的親身經驗。我始終主張適當引用藝術家著述來支撐觀點這種方式，並持續採用當代學者與古人的專業意見。歷史編纂學（或史學史；historiography）在有關藝術史的學術研究中扮演重要角色。若我們把溫克爾曼（Johann Joachim Winckelmann）等相關學者的影響納入考量，那麼歷史編纂學對雕塑而言亦相當重要。「卓越的簡潔與靜穆的壯麗」（noble simplicity and calm grandeur）這句溫克爾曼的名言重新強調人類形體的英雄式理想化（heroic idealization），使得古典雕塑傳統自18世紀中葉起再度取得優勢地位。本書第一章將特別討論這項主題，並檢視雕塑的主要類別、媒材與技巧如何形成於古典時期，而後代代相傳。

本書第一章將探討古希臘羅馬雕塑和雕塑類別的發展，以及人們對民族誌藝術的興趣，尤其是透過畢卡索（Pablo Picasso）和馬諦斯（Henri Matisse）等藝術家之作品而培養出來的興趣，如何在20世紀取代古典雕塑傳統。畢卡索與布拉克（Georges Braque）發明的拼貼技法（collage），帶來雕塑亦可如是的新觀念。約與此同時，俄羅斯藝術家也運用與空間相關的新興媒材及新穎概念，發展出嶄新型態的雕塑。本章也將討論拼貼技法與俄羅斯構成主義（Russian Constructivism）對裝置藝術，特別是地景藝術這類新興領域的影響。然而，藝術家對人像雕塑研究的痴迷迄今仍未消退。此外，若我們計及如倫敦格林公園（Green Park）近年揭幕的轟炸機司令部紀念碑（Bomber Command Memorial）之類的雕塑（詳見本書第六章），便會發現傳統雕塑手法如同傳統繪畫手法一般，持續為藝術家所使用。本書第二章至第六章將依序探討既有的古典雕塑類別與技巧，同時包含20世紀迄今的相關現代實例。(...more)