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獨立攝影

政府對攝影展覽和活動(以納稅人的錢)進行資金補助,在後來歐陸及美國興起的所謂「獨立攝影」脈絡中,是相當重要的因素之一。1951 年,瑞典攝影師克里斯特.史特爾霍姆在史坦納特首個主觀攝影展的專刊中,將攝影形容為「一門獨立的視覺藝術」,並主張攝影需要「自由及自主,以走出自己的路」。有些商業攝影師不認為自身為了糊口、賺取房租的工作,能視為完全定義其獨立或「個人」的影像創作,他們也希望後者可在藝術空間中展出,美國攝影師哈利.卡拉漢(Harry Callahan)即為一例。他將這類作品視為與商業委託案不同層次的作品並以此為宣傳,這導致某種普遍性的歷史迷思,即二者的差異源自攝影作品本身。然而,更常見的情況是同一幅照片,也可能出現在應用和商業場域,二者的差異經常源自情境背景:若攝影作品出現在畫廊、美術館展覽或攝影書中,這樣的作品就更容易被視為可供凝視、沉思的物件。

有關重要攝影作品不是彰顯社會責任就是體現美學主義的二極化想法,讓許多人忽視在戰後期間,這二者之間的區分已大幅消解,而造成區別界線消失的重要推動力,即是美國在麥卡錫時代反共產主義的偏執現象。海倫.吉主張1950 年代的攝影師,認為自己可能因作品中的社會性內容而遭針對,故會隨風向而修飾其攝影影像,「選擇較不具爭議性的主題,排除灰暗的社會現實,傾向更討喜的題材,許多攝影師也進而發展更具『人文色彩』的影像內容」。羅伯特.法蘭克(Robert Frank)拍攝的《美國人》(The Americans ;由攝影師自由拍攝而非受委託創作,且不具敘事性的內容)即為重要範例之一,吉稱這類作品「是1950 年代的主流趨勢」,並視這個趨勢「代表從馬克斯轉向佛洛伊德」。到了1950 年代後期,美國雜誌上出現的影像,顯示攝影詮釋者的主觀意識比重,在報導領域中的佔比愈來愈高。黛安.阿巴斯的作品也許是這個過程中最好的例子,阿巴斯的雜誌跨頁影像首次刊登於1960 年,後來讓阿巴斯獲得藝術攝影經典大師之名的作品,起初並不包括她的「雜誌影像」,後者是後來才受到認可,不過二者無論在內容、形式及構圖方面並無二致。

新聞攝影:《生活》雜誌和《展望》雜誌

跨國圖像雜誌雖然在1920 年代和1930 年代的銷售數字並沒有特別高,它們仍一直是攝影師們的重要收入來源。除了像美國雜誌《生活》、英國生活雜誌《圖畫郵報》(Picture Post )和法國新聞雜誌《現實》(Réalités )等知名雜誌,還有許多雜誌支撐著自由攝影師的工作。舉例來說,1948 年,羅伯特.卡帕開始擔任《假期》(Holiday )雜誌的固定攝影師,提供該雜誌旅遊專題的彩色攝影照片(和文字),歌頌美國戰後迎來的社會榮景。這段期間,因為與電視競爭的壓力,有不少重要雜誌都紛紛退出,包括1957 年停刊的《柯里爾》(Colliers )和1961 年停止的《皇冠》(Coronet )。在英國,不過週日版報紙的副刊開始以雜誌形式出版,也帶來新的契機,其中最早出現的就是1962 年出刊的《星期日泰晤士報雜誌》(Sunday Times Magazines )。能夠欣賞品質良好的新聞攝影,成為英國中產階級休閒活動的一部分,某些人更認為這種短暫的家庭消費,可能進一步轉化為到畫廊欣賞藝術或購買藝術雜誌的動能,不過也有人認為這樣的想法不合邏輯。

攝影和藝術雜誌

1941 年創刊, 以前衛藝術文化為核心且常態性地刊登攝影內容的瑞士專業攝影與藝術雜誌《你》(du ), 也許是獨立攝影最重要的舞台。而當時在英國則有《英國攝影雜誌》(British Journal of Photography ;1854 年創刊, 現為網路雜誌)、《攝影》(Photography; 1945 年至1965 年)、《照像機擁有者》(Camera Owner ;1964 年創刊),後者明顯偏好藝術攝影而非技術性內容,在1968 年改名為《創意攝影》(Creative Camera )。

1953 年時,羅密歐.馬汀尼茲接任1922 年創刊的瑞士攝影雜誌《相機》(Camera )的總監一職,開始刊登法國、英國和德國的文章,使該雜誌成為更國際化的攝影媒體平台。而在美國,除了偏向技術內容的雜誌外,尚有《流行攝影》(Popular Photography ;1937 年至2017 年)、《美國相機》(US Camera;1938 年至1969 年)、《光圈》(1952 年)、《無限》(Infinity;1952 年至1973 年)、《現代攝影》(Modern Photography;原名《迷你照相機》Minicam ,1937 年創刊)和《相機35》 (Camera 35;1957 年至1982 年)等。在義大利,《光圈:義大利攝影》(Il Diaframma Fotografia Italiana )於1957 年創刊;日本則有《朝日相機》(Asahicamera ;1926 年至1942 年、1949年至今)、《日本相機》(Nippon Camera ;1950 年至今)、《每日相機》(Camera Mainichi;1954 年至1985 年)等,而法國的《照片》(Photo )雜誌則創刊於 1967 年。這些攝影專門雜誌和許多其他同類型雜誌的讀者,都是「後《生活》雜誌的攝影師們」;根據紐約現代藝術博物館策展人約翰.薩考斯基的說法,這些攝影師依靠大眾傳媒維持生計,但其「嚴肅的攝影創作」可運用個人時間拍攝,「以製作展覽、一小本攝影集,或也許只是個人作品檔案,以期某人某日可以帶著炫耀的感覺而公開地欣賞」。

攝影書

藝術攝影另一個重要傳播系統就是攝影書,跟攝影雜誌中將攝影圖像、技術性討論和攝影設備廣告並置的形式比起來,攝影書則可說是藝術照片的精選集錦。卡蒂埃- 布列松於1952 年出版的攝影書《決定性瞬間》(The Decisive Moment ),因為讓眾多攝影師和藝術愛好者看到攝影圖像創作能達到的藝術成就,而極受讚譽。「戴爾彼爾與席出版社」(Delpire & Cie)的羅伯.戴爾彼爾(Robert Delpire),在1952 年出版第一本攝影書《布拉塞》(Brassai ),1950 年代中期,他創辦「戴爾彼爾出版社」(Editions Delpire),出版的書籍中即有(後來)備受推崇的藝術攝影書籍。戴爾彼爾最為知名的出版品,就屬羅伯特.法蘭克十分具開創性的攝影書《美國人》,他在美國出版商拒絕法蘭克的提議後,接手於1958 年出版這本攝影書;另一本同樣展現突出美學的攝影書,則是威廉.克來因(William Klein)的《紐約的生活美好又適合你:恍惚見證者的沉醉》(Life is Good and Good For You in New York: Trance Witness Revels;塞伊出版社Editions du Seuil ,1956 年),呈現毫不遮掩的都會粗曠、高強度明暗對比和幽暗情調,對這個世代的許多人來說,擁有藝術攝影的意思就是購買攝影書。


本文節錄自《藝術市場上的攝影──從交易到收藏的操作與演變》
(文字段落及圖片經過編輯,欲閱讀完整作品,歡迎參考原書。)

攝影術自1839年誕生以來,攝影歷經近200年的歷史演變,從作為一種創作工具與被交易的物件,到轉變成具有收藏價值的藝術品,本書透過兩部分書寫,由簡入深來了解其中的運作與發展。

首先分析藝術攝影的市場,幫助讀者了解現今藝術攝影的交易,提供專業解析及指引,並針對攝影市場中常見的問題如:照片的價值為何?為什麼不是收藏底片?什麼是原作?版次數量多少才合理?該如何保存與維護?等等提出詳盡解答,幫助讀者建立攝影收藏的基本概念。接著再從攝影史的角度一步步回溯歷史,呈現自1839年開始,由商業攝影師、收藏家、經紀人、拍賣行、博物館、出版社和評論家等構成的複雜網絡對攝影市場的影響,再進一步剖析1970年代「攝影潮」的誕生,最後到當代藝術中的攝影轉向。探索從交易到收藏的藝術發展脈絡,審視攝影市場如何演變,並指引出未來市場發展的前瞻性與可能性。

這是第一本從藝術市場角度探討攝影作為藝術形式發展的專書,作者以其在拍賣公司累積多年的實際經驗與人脈,在書中提供許多第一手的攝影界寶貴資訊,對於不論是剛進攝影市場的收藏新手或是攝影史愛好者來說,都是值得購藏的引導指南。


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